“…you can hear whatever you want to hear in it, in a way that’s personal to you.”

James Vincent MCMORROW

Qualités de la musique

soigné (81) intense (77) groovy (71) Doux-amer (61) ludique (60) poignant (60) envoûtant (59) entraînant (55) original (53) élégant (50) communicatif (49) audacieux (48) lyrique (48) onirique (48) sombre (48) pénétrant (47) sensible (47) apaisé (46) lucide (44) attachant (43) hypnotique (43) vintage (43) engagé (38) Romantique (31) intemporel (31) Expérimental (30) frais (30) intimiste (30) efficace (29) orchestral (29) rugueux (29) spontané (29) contemplatif (26) fait main (26) varié (25) nocturne (24) extravagant (23) funky (23) puissant (22) sensuel (18) inquiétant (17) lourd (16) heureux (11) Ambigu (10) épique (10) culte (8) naturel (5)

Genres de musique

Trip Tips - Fanzine musical !

jeudi 29 octobre 2015

TOMMY CASTRO & THE PAINKILLERS - Method to my Madness (2015)

groovy, efficace, intemporel
blues rock, rock n' roll

Tommy Castro est d'abord un interprète puissant. Il arrive en plus à enchâsser dans ses albums des chansons aux saveurs roots variées, jamais trop éloignées d'une bonne vibration soul. Il semble mettre l'accent davantage sur son chant modulé et puissant cette fois, et un peu moins sur sa guitare, par rapport à l'entêtant The Devil You Know, sorti 18 mois auparavant (et #9 dans le classement Trip Tips des meilleurs albums 2014). Les chansons sont plus ouvertes, peu-être débarrassées de l'aura un peu machiavélique que dégageait le précédent. La facilité avec laquelle ces chansons ont été enregistrées est audible, et souligne sa qualité principale :  son côté contagieux et communicatif. C'est une invitation à danser, à sauter à pieds joints, le blues rock Shine a Light donnant dans le blues du Mississippi (et ce solo de guitar hero !), tandis que Got a Lot fait dans le rock n' roll infectieux, la basse roulant des mécaniques. Un fondu déchaîné à écouter fort. 

Tommy Castro et son groupe The Painkillers - Randy McDonald (basse), Michael Emerson (claviers) et Bowen Brown (batterie) - restent parmi les meilleurs musiciens actuels, avec Robben Ford, pour ce qui est de donner au blues rock sa place assumée, celle d'une musique qui met sans façon les pieds dans le plat, quitte à laisser la subtilité à d'autres formes de blues. Son album est selon moi un peu meilleur que Into the Sun de Ford, paru la même année. La chanson titre joue sur ce refrain accrocheur : 'i might be crazy but i'm not insane'. On est rassuré. 

KONTIKI SUITE - The Greatest Show on Earth (2015)

lyrique, hypnotique
indie rock, psychédélique

Cette musique venue de Carlisle, dans l’Angleterre les méandres de l'Eden river, conjure toute la substance des Byrds, de Buffalo Springfield et de ces groupes des années 70, bien sûr, mais sérieusement revue à travers le pop-rock plus nette d'un groupe plus récent, le Teenage Fanclub. Derrière leurs qualités d'impeccables multi-instrumentistes, ces six garçons savent rester mystérieux aux entournures - une pochette pleine de fantaisie onirique et un titre, 'le plus grand spectacle du monde', qui laisse dans l'expectative. Pas vraient de surprise, au fond ; ils continuent dans la lignée du très séduisant On Sunset Lake

Ils se placent entre la libération charnelle des premières années psychédéliques et le romantisme anglais des Smiths. La voix du chanteur, quant à elle, évoque sérieusement celle de Jeremy Earl, de Woods, groupe qui officie dans la même chapelle de psychédélisme doux mais lancinant et chargé d'amour. On aime les guitares s'élevant dans la brume diaphane quand elles sont matinées d'harmonica, de mellotron (Years Roll On), et les pedal steel qui renvoie à la country anglaise de Richard Hawley. Evidemment, avec la petite voix de Benjamin Singh, ils privilégient la substance sur le style, courent la distance avec ce qu'ils ont et nous y font revenir à chaque fois plus désirants.


lundi 26 octobre 2015

Help making the film about "The Forgotten Folk Genius" JACKSON C. FRANK (2015)


"The Forgotten Folk Genius"

- Mojo Magazine



A little piece about why supporting this film will change our lives. 

1. Folk music is spreading in circles

Folk music gathers the forces of the singer/songwriter into a delicate and introvert thing, most of the time. Sometimes, it overflies an universe seeming as wide as a real cosmos. Whatever is its richness, this music must show everything. You recognize folk music through its honesty. The clarity of arrangements should remain loyal to the musician’s mood, and sends back to the tradition inspiring it. Folk music may not be overtly inventive enough to retain your attention instantly, especially for those among us who don’t understand the language in which it is sang and who’re not going alongside the surroundings it comes from.

It happens that its power for upheaval propagates in different times, spreading in circles an adulation that will reach you. The only condition, is to be sensible, or to be receptive to the gravity, the emotion and the legacy that those artists are trying to channel. It is to be sensible, full stop. In 2015, there was Joanna Newsom, Bill fay, Tom Brosseau, Villagers, James Yorkston, The Unthanks, among others. They repeat that boldness, for a moment, to fly out of defiance, out of any bad feeling, to find that evocative place which whom they can be one.

They exploit a bit the wounds which informed them in their youth, because this was the moment when their profound self was made, away from all that will happen next in their life. As persons, such artists won’t change anymore. They can find stands and inspiration in others, but can’t change their ways entirely. To look at their life, measuring their work, their songs, is fascinating. To realize they share gathered forces into a thing able to influence is enchanting.

2. Jackson C. Frank will send your life into orbit
Jackson C. Frank is one of those. He was alongside or inspired Paul Simon, Al Stewart, Sandy Denny, Nick Drake, John Renbourn, Bert Jansh and many others, more and more of them.

Celebrating him always seems to come too late. Listening his odes to bitter love is hypnotic. In his perfection of execution there is something that breaks our heart. Well, he had a hard life.

This is a mixture of folk and blues in which the melody floats and arrests like a free, surrealist painting. The evocative force, through lyrics and a persistent musical verb, is of the greatest art. Jackson C Frank is celebrated through re-outings of his music, until the release of the Complete Recordings by Ba Da Bing ! in 2015.
An ambitious documentary is now in shooting, and borrows its title from his well known song, Blues Run The Game, a poem where the winners and the losers of life are already, sadly, identified. This documentary will value the meetings which enameled his dramatic existence, while always keeping in sight the cyclic power of his songs, brought to be started perpetually under brighter auspices, and embellishing the life of people we hope are luckiest than he was. Listening to such music, support such a project will spread the good fortune in all our lives.


Des liens à élucider entre Roy Harper et Jackson C Frank... 
(We will try an interview of Mr Harper about that matter).

as published on :

In 1965 when Jackson Frank (http://en.wikipedia.org/wiki/Jackson_C._Frank) arrived in England, he not only became pals with Bert Jansch, John Renbourn, Al Stewart and dated Sandy Denny, he and Roy Harper became very close friends. So much that Roy wrote a song for Jackson entitled "My Friend" that appeared on Harper's debut album "Sophisticated Beggar" from 1966. Listening to this song you can hear the musical similarities in their finger picking, melody structure, lyrics and to some degree, their voice. In 2013, a very rare Jackson Frank song entitled "Forest of Eden" was released and appears to be a demo or home recording from the mid 60's (I'm not sure if the date is known). This song takes Frank much closer to the traditional Roy Harper sound, featuring some sublime languid strumming and vocals that are more than reminiscent of his friend. What came first, and who influenced who, I do not know. What is likely is that they were both mining the same territory and their time together produced a cross pollination. Still it is fascinating to think of what Frank may have done if he had been able to keep it together and continued his friendship and collaboration with his English pals. Just about all of them have all gone on record to state what an influence Jackson was, and how his songwriting was much more evolved than the other songwriters in the early days of the British folk (rock) scene.

In addition, when I heard "Forest of Eden" about two weeks ago, I was not only struck by the similarity to Roy Harper, I instantly heard David Gilmour and post-"Pipers" Pink Floyd in there as well!!! Whether Gilmour knew or had heard Frank or Harper back then, I don't know. Does anybody know the recording date of "Forest of Eden?" It is quite possible that this song was written and recorded before David joined Pink Floyd. Or course, the later connection between Harper, Gilmour and Pink Floyd is well known.


JOANNA NEWSOM - Divers (2015)

lyrique, extravagant, audacieux

Divers, non pas comme le ‘divers français’, mais du verbe anglais to dive, draguer le fond de l’eau. Amusant quand sait que son label s’appelle Drag City, même s'il y a dans ce cas un peu des drag queens qui n’ont rien à voir avec la pratique commune au pêcheur de rivière et au chalutier. Les métaphores aquatiques de Newsom sont du type de l’incroyable mise en images de Bill Callahan dans Rock Bottom Riser. Pas sûr que ce rapprochement avec un album de son ex, A River Ain't too Much To Love (dans lequel elle a joué), lui plaise.

La nature semble être une énorme source d’inspiration pour Joanna Newsom, ou au moins les mots qui donnent à cet environnement ses atours pittoresques et pourtant graves. Au laconisme de Callahan (‘Oh my foolish heart/Had to go/Diving, diving/Into the murk…’) elle oppose un flot rythmé au cordeau de mots ornés, qui brisent les codes du songwriting habituel et lui permettent d’être la rare artiste commercialement viable, dix ans après la parution d’un livre sur la scène Acid Folk intemporelle (Seasons they Change), à mériter de figurer dans la section de l’ouvrage consacrée aux musiciens contemporains. Meg Baird et The Oh Hellos sont dignes d’y apparaitre, mais Newsom crée une musique aux frontières mouvantes, sans égale, au phrasé furieux, construite au détour de moments d’intimité, de petites saynètes baroques et des refrains – pour manque d’un meilleur mot – enchanteurs. Jamais elle ne fait de la pop, et c’est extraordinaire.

Elle n’a pas eu de tube, pas une maison de disques qui la pousse à sortir quelque chose à une échéance raisonnable, mais néanmoins ce doit être épineux d’être Joanna Newsom. Il faut se régénérer continuellement et prendre une forme qui n’est pas tout à fait la même pour surprendre des fans attentifs au détail. Elle réussit un album conceptuel qui n'a l'air au premier abord que d'une modeste collection de chansons en comparaison avec ses oeuvres passées. Elle saisit l’amour, son amour sans doute, et en fait une distorsion minime de la mort, tous deux suspendus dans le temps et interpénétrés l’un de l’autre. Elle contrecarre sa peur d’un amour seulement passager en lui donnant des airs d’éternité.

Ce qui l’empêche de sombrer dans le rituel et le sorcier, c’est sa capacité à évoquer tant de lieux, tant de rivages. En version dense, plus concise, mis travaillée avec autant de soin – on a successivement aux arrangements huit musiciens, partenaires de longue date, pour Divers est une nouvelle cartographie de la Californie, comme Have One on Me avant lui. On a une exploratrice des replis du temps, prête à aller au-devant de toutes les déceptions, envoyant des oiseaux en éclaireurs, les poussant à la fin à transcender la passion du monde en ouvrant le dialogue musical (et sensuel) avec les étoiles et tous les auditeurs pudiquement cachés derrière elles.

Palpables sont les cuivres, les cordes éternelles du célesta, du mellotron et du bouzouki, du piano Rhodes et de ces "cinq glorieuses secondes d’orgue Hammond", et puis la scie musicale ou le piano-accordéon. Ce cycle (comme l’album Song Cycle de Van Dyke Parks, son arrangeur ?) se termine sur un mot interrompu, pour commencer sur la fin de ce même mot. On a une partie centrale où les autres s’étirent, avant que l’album ne se rassemble sur deux dernières chansons parmi les meilleures Pin-Light Bent et Time, as a Symptom.

THE WOOD BROTHERS - Paradise (2015)

^ Un concert au Winterwondergrass dans le Colorado., dont ils sont originaires.

groovy, attachant, funky
Americana, blues rock, folk

Les frères Wood ont un groupe qui, sur les bases rythmiques folk de la contrebasse de Chris Wood, construit des grooves étourdissants. Depuis le début des années 2000, il ont sorti quatre albums qui ont laissé les amateurs d’americana ravis et les journalistes incertains de l’étiquette qu’il fallait leur coller. Ils n’ont cessé de s’améliorer. Et au vu de l’accueil qui a été fait à ce nouvel album par ceux qui connaissent et aiment déjà ce groupe, le fait d’avoir enregistré avec Dan Auerbach des Black Keys ne les a pas dénaturés. Au contraire, ils ont un son toujours plus rond et mieux lié, qui ne peut appartenir qu’à un groupe au sommet de son osmose.

La puissance de leurs harmonies vocales est un gros plus, les structure ouvertes et élastiques, qui passent dans un même morceau du folk intimiste à l’Americana funky et au rock choral, en passant par la soul (Newer and Always), profite en plus d’arrangements puissants (écouter la ballade Two Places, ses cuivres et son orgue électrique). Si les Black Keys pouvaient être ‘commerciaux’ à force de trop essayer, The Wood Brothers rapellet directement The Band parce qu’ils ont cette aisance et qu’on sent qu’ils s’amusent terriblement à enregistrer cette musique. C’est comme si l’Alabama se traduisait instantanément en un mélange idéal de country, gospel, folk, funk, blues, où les moments les plus trad’ ne sont pas en reste pour la pure séduction (Heartbreak Lullaby). Whithout Desire nous projette en fanfare au cœur du studio, avec eux. Ces chansons naissent déjà complètement matures, c’est à peine si une touche de naïveté peut être décelée, sur Touch of Your Hand. Un coup de foudre.

mercredi 21 octobre 2015

JOHN MORELAND - High on Tulsa Heat (2015)

folk, americana
poignant, sensible

En l’espace d’une seule année, en regardant bien, en écoutant beaucoup, on peut trouver des connections bouleversantes entre certains artistes, comme celle qui existe entre John Moreland et Steve Earle, l’une de ses idoles revanchardes. Avec sa corpulence de malade de la tyroïde et ses chansons brisées mais pourtant encore vives, d’une certaine manière, il m’a aussi fait penser à Jackson C. Frank en fin de course. Combien d’albums a encore John Moreland devant lui ?

Son apparence comme ses chansons trahissent un artiste qui devra faire un effort énorme pour retirer tous les mauvais os de son corps, tout ce que sa jeunesse a laissé de tourments impossibles à digérer. En interview, sans surprise, il semble du genre à se défaire de son talent, se disant incapable de faire à la guitare la moindre chose qui retienne vraiment l’attention. Les atours sont donc simples, mais la présence de l’artiste suffit à hisser son album parmi les meilleurs du genre en 2015. L’album, par moments vif et entraînant, atteint sa plus grande dépression avec Cherokee, une chanson à pleurer qui commence par : « J’ai toujours un goût de poison/je ne chercherai plus à bien aller/je continue de scruter l’horizon/cherchant des mensonges à révéler » sur des accords basiques. Le timbre du chanteur tire de cette mélopée tout ce qu’il y avait à en faire, sans doute.

Cleveland County Blues évoque irrévocablement Josh T Pearson dans son album au désespoir sublime, The Last of the Country Gentlemen (2011). Comme lui, Moreland est de ces songwriters qui semblent trouver par la purification la voie des meilleures mélodies, mêlant avec un doigté halluciné country et americana. En termes de mélodie, prenez l’orgue hammond sur la chanson-titre qui clôt l’album. Sad Badptist Rain, elle, creuse dans la voie de cette americana de prêcheurs vengeurs, pour une politique de l’âme plutôt que pour une police des mœurs, débordée et maladroite.

lundi 12 octobre 2015

Sélection - Octobre 2015

OZARK SHEIKS - Run Devil Run (2015)

communicatif, hypnotique, entraînant
Country, rock n' roll, blues

Les Ozark Sheiks, du nom de ce plateau montagneux qui constitue un bout de l’authentique culture américaine, entre les états centraux des Etats Unis que sont le Missouri, l’Arkansas, du Kansas et de l’Oklahoma – les Ozark Mountains. Pour nous comme pour les New Yorkais, des terres pleines de gens à qui il a fallu interdire le bourbon pas cher et les jeux d’argent pour qu’ils se rabattent, au mieux, vers une musique grossière. On n’y joue pas du banjo à la façon des Punch Brothers, mais plutôt comme d’un outil de chantier.
Le fait d’avoir lu Corto Maltese en écoutant les Ozark Sheiks a surement contribué au fait qu’ils sont désormais pour moi un groupe avec une capacité pour l’aventure, l’ironie, le détachement… D’un peu répétitifs, leur mélange survolté de country, de rock n’ roll et de blues joué en bande a revêtu, de plus en plus, un pouvoir libérateur. Leur attitude est excellente, c’est elle qui fait passer l’écoute de ce disque pour un pur bonheur à partager. On les voit danser tous ensemble, faire la fête. Leurs danses peuvent devenir transes quand ils empruntent au hill country blues du Mississippi (Martin Creek Blues).Ou rêves dodelinants dans d'insistantes et harmonieuses ballades (Ozark Crank). 

Ecoutez votre chanteur de folk texan préféré (Townes Van Zandt ou Bill Callahan), puis une fois touché du doigt le dénuement sensuel et quasi tantrique qu’ils dégagent, plongez-vous d’un seul coup dans cette longue chevauchée d’album (une heure quand même).Run Devil Run est généreux, choral et partageur comme si les Arcade Fire n’avaient jamais joué de l’accordéon mais de l’harmonica (accordéon pourtant présent sur une chanson au nom Arcadefirien, Wake up Sinners). C’est traditionnel en diable.


jeudi 8 octobre 2015

THE LEGENDARY SHACK SHAKERS - The Southern Surreal (2015)


entraînant, inquiétant
Rockabilly, blues rock

The Legendary Shack Shakers ont de ces crochets mélodiques, c’est comme de voir un match de boxe mené par un squelette psychobilly. Ils secouent tous les bons os de votre corps. Thématiquement, on est sans surprise dans le sud fantasque et ses marécages à zombies épris de rock n’ roll et de marijuana. Les refrains sont constitués du minimum de mots, et redoutablement  efficaces: « Get on down the road » sur Mud, la chanson qui donne le patron pour la guirlande d’halloween ; « Baby, how long » sur Miss America. « Take my hand, don’t leave me cold’ sur Cold. La voix caverneuse du chanteur Col JD Wilkes est parfaitement appropriée.

C’est rudement convaincant au niveau des paroles comme de la musique. Le groupe s’imprègne et recrache cette culture sudiste depuis 20 ans, et c’est aussi ce qui leur permet de rendre crédible cette descente en train fantôme. Wilkes, passionné de musique traditionnelle, a déjà été récompensé pour un album hommage aux sonorités des Appalaches, enregistré avec un violoniste (de fiddle), Charlie Stamper. C’est un Colonel dans le Kentucky, en tout cas, ça met en lumière les talents de son groupe  (augmenté par des fans tels que l’acteur Billy Bob Thornton) à recycler toutes les danses et jeux de jambes issues des fermes et des campagnes sudistes. Rarement un album à la narration si pleine de détails inquiétants n’aura été aussi joyeux et charmant ! Down to the Bone, qui succède à une parenthèse narrative rappelant What’s he building in There ? (Tom Waits, Mule Variations, 1999) évoque un Waits de cimetière.  

ISRAEL NASH - Israel Nash's Silver Season (2015)

envoûtant, intemporel, lyrique
Rock, psychédélique

Israel Nash Gripka. Si son nom laisse imaginer un bar à colonnes néo-classiques enfumé au narguilé, c’est au Panthéon grec des groupes dérivés de Neil Young qu’il mérite d’entrer. Le groupe marrie – et le mot, qui suppose une célébration, a son importance – des sons spaciaux, psychédéliques, tonitruants, des riffs garage gigognes, des harmonies vocales et le timbre à l’émotion intense de Gripka. L’artiste, originaire du Missouri, et désormais résidant au Texas, continue une tradition de songwriters au cœur sur la main, partageant le label de Steve Earle ou Townes Van Zandt. 

Certainement enregistré en analogique, l’album laisse entendre un authentique souffle américain, en en refaisant, de façon toujours inespérée, une terre à l’échelle de son immense sensibilité. Israel Nash fait de l’américana avec les potards dans le rouge des valeurs humaines. Tout y est, même le mellotron sur l’introduction de L.A. Lately, l’une de ces balades en mid-tempo qui représentent un voyage intérieur comme Neil Young n’est plus occupé à les faire. Six minutes et demie superlatives, des notes caressantes et poignantes culminant sur un refrain cosmique. 

L’autre folie de plus de six minutes, Strangers, annonce son caractère habité et héroïque dès l’intro acoustique, avant de résonner comme un Going to California (Led Zeppelin), avec cette largeur de vue, cette envie d’embrasser toutes les lumières mystiques qui puissent émaner de la contemplation d’êtres humains. Déjà parfait au début, le même plan se répète encore et encore, d’une chanson à une autre, donnant l’impression d’un album inamovible, monolithique, comme les intemporels le sont. Un voyage assourdissant et libérateur au pays de la Musique ! Jonathan Wilson n’est parfois pas très loin...

lundi 5 octobre 2015

JOHN GRANT - Article (2013)

article paru dans Trip Tips n°23.

JOHN GRANT - Grey Tickles, Black Pressure (2015)

extravagant, sensible
Folk-rock, synth pop

Désormais, on sait que sous le calme apparent couve la tempête de paroles osées. La franchise de John Grant est imbattable et impossible de tourner en dérision, il le fait assez bien lui-même. Evoquant sa séropositivé, il tempère : ‘il y a des enfants qui ont un cancer. Je ne peux pas rivaliser avec ça.’ Sur son nuage amer, il va de l’avant sans chercher non plus à rivaliser avec ses coups d’éclat passés : un concert un orchestre philharmonique pour la BBC l’an dernier, par exemple. Cette petite phrase est une simple remarque dans un firmament de détails qui racontent la solitude devant les publicités télévisées, au moment de demander un produit pour les hémorroïdes dans une pharmacie. Mais c'est parfois triomphal comme de tourner une boite gay islandaise en jardin babylonien recouvert de fourrures masculines brossées . 

La voix de Grant est plus grave que jamais, changée, et un poil plus épuisée dans son élégance ombrageuse que sur le chef d’œuvre Queen of Denmark. 5 ans ont passé. Grant a quitté les Etats Unis pour l’Islande avant de revenir à Dallas pour enregistrer avec John Congleton (St Vincent) cet album de contrastes. Ainsi cette pochette aux yeux effacés, car Grant est l’enfant les années 80 qui protège son innocence et son âme de notre regard de chapardeur.

C’est un disque déroutant mais pas pour autant un disque de faux semblants. Ce n’est pas un album qui donne l’impression de cacher tant de beautés que cela sous la surface – ou est-ce que l’on a appris à déceler tout de suite les richesses d’un disque de John Grant en tombant sur Glacier dans le précédent album ? Ainsi, ici, Down Here, Global Warming ou No More Tangles.

Grant nous pousse dans des styles que nous n’aurions pas côtoyés. Avec ou sans claviers cheesy, il a cet art de s'introduire partout. Très bien quand il évoque Gary Numan (Black Blizzard) ; mais Prince et sa pop un peu trop lisse ne semble pas assez excentrique pour lui, déçoit sur son évidente volonté de dérouter et de concilier plus radicalement laideur et beauté. Dans la pochette de son premier album en solo, il y avait bien une belle rose rouge en regard de la dépouille d’un oiseau écrasé. Un caniche et deux chiots qui ressemblaient à des boules de Geisha.

On a des chansons qui prises individuellement, laissent penser à une quête de perfection (Global Warming…) et ressemblent pourtant, dans un jeu de miroirs, à d’autres chansons sur les précédents albums, et peuvent dans l’ensemble donner l’impression que Grant se répète. C’est particulièrement vrai pour les ballades combinant guitare et piano mais désormais c’est aussi vrai pour les numéros funky qui rappellent Black Belt ou Sensitive New Age Guy. On aimerait pouvoir comparer ces éclats discoïdes à Bowie, d’autant plus que John Grant fait parfois preuve de meilleur goût et de plus de finesse, mais une hésitation subsiste. Les réticences sont toujours balayées par la qualité de paroles qui dressent le ressentiment en totems et nous engagent avec une magie toute littéraire.

Voir aussi l'article sur John Grant

jeudi 1 octobre 2015

DAN BERN - Hoody (2015)

il est aussi peintre.

efficace, entraînant
Country pop, folk, roots rock

On croirait d’abord un de ces albums de terroir qui veulent impuissamment arriver à la cheville de Hank Williams, Johnny Cash, Merle Haggard. Mais le timbre de voix et l’ambiance texane et charmante de ces chansons rapproche Dan Bern, qualifié de ‘trésor national’, de Townes Van Zandt. L’homme a l’habitude, à cinquante ans. Il est surnommé ailleurs la ‘machine à songwriting’, et c’est vrai qu’un tour sur son site internet (l’un des moyens les plus sûrs – et des seuls – pour se procurer ses disques autoproduits) confirme qu’il est prolifique. Il y a de la joie dans sa démarche, qu’il chante l’amour (Turn on a Dime) ou parade sur le mauvais état de son pays, partant en fumée, sur Welcome. Des chansons comme Welcome ou World ont de ces mélodies qui n’ont pas changé depuis les années 1960, harmonies et ton rogue inclus. Le coté décontracté de l’ensemble est dû aux conditions d’enregistrement : plusieurs batteurs disponibles, tous excellents, et Dan Bern enregistrant live dans un studio suffisamment grand pour accueillir tous les musiciens. 

Pas de véritable inquiétude mais le ton de celui qui n’est jamais en reste pour s’amuser un peu aux dépends des autres. C’est qu’il regarde dans toutes les directions, il faut bien alimenter la machine intérieure de son inspiration. Le jeu du name-dropping cher à Neil Young sur The Monsanto Years s’éparpille ici avec irrévérence. C’est avec souffle, et en embrassant sur les styles propres à la côte ouest - le surf rock, la country pop -, et ce qu’on qualifie d’influences dues à ‘l’invasion britannique’ (les Beatles) qu’il trousse ces chansons. Elles courent comme des proies sous le feu de la réalité, et en sortent indemnes, trop bondissantes pour se voir butées. Il faudrait une grave altération de leur environnement – peut-être cette fameuse extinction des dernières réserves californiennes, prochainement sur vos écrans – pour que ces chansons perdent de leur vitalité.

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...