“…you can hear whatever you want to hear in it, in a way that’s personal to you.”

James Vincent MCMORROW

Qualités de la musique

soigné (81) intense (77) groovy (71) Doux-amer (61) ludique (60) poignant (60) envoûtant (59) entraînant (55) original (53) élégant (50) communicatif (49) audacieux (48) lyrique (48) onirique (48) sombre (48) pénétrant (47) sensible (47) apaisé (46) lucide (44) attachant (43) hypnotique (43) vintage (43) engagé (38) Romantique (31) intemporel (31) Expérimental (30) frais (30) intimiste (30) efficace (29) orchestral (29) rugueux (29) spontané (29) contemplatif (26) fait main (26) varié (25) nocturne (24) extravagant (23) funky (23) puissant (22) sensuel (18) inquiétant (17) lourd (16) heureux (11) Ambigu (10) épique (10) culte (8) naturel (5)

Genres de musique

Trip Tips - Fanzine musical !

vendredi 28 août 2015

La semaine psychédélique (3) - PRIDJEVI - S./T. (2015)

original, envoûtant
psychédélique, dream pop, 
world music

C’est étrange la façon qu’a ce groupe de retenir l’attention. D’abord parce qu’il s’agit de rock psychédélique croate, une collaboration faite d’un échange de mails aussi fulgurant que lorsque Sato Matsusaki et Greg Saulnier s’envoyaient des bribes musicales entre le Japon et les Etats Unis pour Deerhoof, et qu’en tant que tel ce trio a une fraîcheur rare. Mais vient ensuite une raison plus profonde encore. Pridjevi a des penchants pour le jazz, avec des entrecroisements de vocalises, de claviers et clavecins absolument baroques, et quelque chose de diablement est-européen dans sa façon décomplexée d’utiliser les grooves est-européens (pensez à Tom Waits sur Swordfishtrombones (1980)) que le bain de réverb n’amoindrit en rien. Les ambiances les plus mystiques démarrent comme un instrumental rêvé de Radiohead période Amnesiac (2001), sur Svijet Na Dlanu, avant de rejoindre, avec les voix omniprésentes le chorus de cette œuvre si cohérente et scindée qu’elle en est obsédante. Le swing du piano rhodes sur Lucifer Ja rend les voix tout de suite moins angéliques, comme dans une danse au balancement erratique et brûlant. Pas besoin de whiskey et de vodka pour se sentir gagné du motif d’une fuite incessante, d’une excitation indolente que rien n’interrompt que le début d’une nouvelle rêverie.


lundi 24 août 2015

Interview ED ASKEW par Trip Tips (VO)

For the World allowed you to rework songs you recorded already before. Is it the case on the new album you plan for late summer ?
almost everything on the new album has been previously released on bandcamp as a home recording,
 but everything is relatively recent. generally speaking, when we (my band) decide to learn something "new", we use my bandcamp recordings as demos.

I read the tiple is a hard instrument to play, and it is your signature. Did the musicians playing it along with you knew that instrument before? 
No. Tyler had never played it before. he has his own style of playing it. more like a lead instrument.
What are the people and places that marked you the most as a musician ?
have we got a few days for this? places: New Haven, New York, Mystic Ct, San Francisco, Boston...
Garcia Lorka, Picasso, the Beatles, Dylan, Joni Mitchel, John Cage, later..Gay issues. my friend Carl Williams, Bernard Stollman, lots of friends.  

As a poet, do you have influences ?
Lorca, i don't read much poetry. Ginsberg. Surrealist stuff, Rimbaud

I have the impression that the focus is more on the poetry and words, and that to maintain the music as minimalist as it is revealing allows you to keep a freshness in your music. Would you say it is true ?
well, i usualy make a chord progression. my taste is somewhat conventional, but i do regard these progressions as little compositions. and one always tries not to do the same thing.  to do something new, chord wise.
you have to come up, in most cases, with words that fit the progression. so, in a way, the rythm of the music determines the phrasing of the poetry. the words are what comes into my head as i listen to the chords. little by little, the words fall into the pattern and into it being about something.  

It seems the poetry is starting anew from nothing every time, from a simple idea, an observation. Paper Cup for exemple, striked me, on Viridian City.
sometimes. like some song thart  with a discription of my desk.. i'm just hopeing that will take me somewhere. others are more issue based. or a story i made up as i wrote to the music.

Did the re-releasing of Little Eyes in 2003 relaunched your career as a musican ?
to a great extent. it was after that that i started being asked to play.
What evolution (in the working techniques, the approach...) would you say there is between Viridian City and Shadows ?
i don't really think about that. i'm working from song to song..from collection to collection. it's not a progression of evolving ideas, or anything. like i notice i have been using decending chord series..so im trying to not do that so much.  also i am more and more making the music on proTools as i record it.  lately, i am less likely to make up a progression before i record it. this changes all the time. than i may write down music on paper first, because i haden't done it in a long time. someone else will have to analize it. 
Shadows borrows images from a wintery New York, even Christmas atmosphere. Was there an intention when you chose the tracks to figure on the record ?
the tracks i choose for any of my home recordings is just everthing i've writen/recorded since the last time. there are rear occasions where i don't include something, but not often. when i have enough for a collection; that is what i put in the collection. Shadows was rather stream of conciousness. but i did't "intend it". it's what came to mind. it had more to do with my mood than anything else. as if i had been provoked by the time, recent events, nostalga etc to wright those words. 
Why did you decided to tour again in 2011 ? Other people/musicians encouraged you to do it, or where doing it themselves ?
boath 2013 and the forthcoming tour were and are tours for the record label (Tin Ange). some of the venues were the result of requests from fans, but everything was or will be organized by T A. to promote the records.    
Does music plays as a artistic complement to painting ?
Maybe. it's like living in two rooms. and you can go back and forth at will. i don'r think about it. i don't need to. (i actully have one room that i live in).
The man that launched Esp Disk died a short time ago. What memories do you keep from the period ?
i try not to cherish memorys. some memories you can't help remember. good times and bad times. my only personal connection to ESP was that Bernard let me make a record, witch could have been a big thing, but it evaporated soon enough, until it was reveved: and that my total income for that record and  all subsaquent re-releases, was $200. 
Your musical 'myth' was built on only one album, Ask he Unicorn, as if the fact that it disappeared shortly after gave you the status of an underground legend. What did you planned when Ask the Unicorn was out then ? What was your situation ?
i continued to write and perform in New Haven, Boston a bit. and Mystic Ct. i rented spaces and put on shows.  

You where said to be part of the acid folk scene, that has celtic or medieval imagery, but your poetry was way more personal than that ?
Yes. i'm not a "movement" guy. haha if you look at that period you will notice that there was a wide veriety of musics being played. including other stuff, like John Cage and Terry Riley. some one needs to re think the whole period..from a panoramic perspective..

When do you decide an album is ready to be sold in bandcamp, as opposed to an official label release ? Are you choosing the tracks alone ? Is the track order important or is it more like compilations ? Who listens to it before it is released ?
i might send a song to Jay to listen to. but i like the idea that no one has heard it before it's released. if someone wanrted to release a bandcamp collection as an LP or CD it would be nice. but except for Rainy Day Song on CD (he went out of buisness a few monthes after the release. not my fault lol.) and a few recent cassette releases.  i havent had any offers. track order is important. but it's instinctive.

Bandcamp is such a good device, but there is no promotion for your albums, appart from the occasional e-mail... Did you feel fine about that at this point of your career ? 
i make almost no income from music or art. off and on. and i know nothing about promotion. the Bandcamp stuff only makes about $200. a year. not enough that i could afford anything more than word of mouth. and i'm not shure if that would work for me anyway. and no promoter is going to earn a lot from Ed Askew. i'm not Willy Nelson (who is wonderful). it would be nice not to have to worry about money, but i'm having fun.     

Steve Gunn is liked a lot here. How did you meet him ?  
David Garland (Spinning on Air on WNYC public radio) was curating a month of shows at the Stone, here in N Y and asked me to do one. i didn't have anyone to play for me so i asked around, and Clint Simonsos of Destijl Recs (Little Eyes) suggested i ask him. Nice guy. ED ASKEW & STEVE GUNN at the Stone / video B Gielis 


dimanche 23 août 2015

Sélection août 2015

SPEEDY ORTIZ - Foil Deer (2015)


puissant, audacieux
rock alternatif, grunge

Chez Speedy Ortiz, un refrain vertigineux évolue comme les expérimentations pop de Saint Vincent (Dot X, Swell Content…). Il y a quelque chose de novateur, d’arty, de New Yorkais dans cet album. 
Ils ont eau être du Massachussetts, ce serait la bande son de Mitchell Zukor descendant dans son Psycho Canoé les rues de la ville immergée suite à l’ouragan*. Dot X est une chanson sophistiquée, le rock à chausses trappes et jeux de mots de Pavement transformé par l’effet Sadie Dupuis, cette chanteuse relativement expérimentée dans un groupe dont c’est seulement le second disque. Elle sait très bien transformer un groupe apparemment porté sur les meilleures moutures des années 90 en rock de demain, combinant des paroles dignes de Sinead O’connor, et des riffs tortueux pour marquer son territoire. Positivement féministe, pour tous ces moments d’extase qui nous rappellent combien c’est mieux d’être la chanteuse d’un groupe de rock, sur le plan la confiance en soi, plutôt qu’autre chose. La cohésion de l’ensemble est remarquable, quand on parle d’un groupe qui dérive une partie de son esthétique de Wowee Zowee (1995). Serpentant, discordant, parfois lourd, et intimidant sur certains refrains, il reste toujours absolument maîtrisé, sans doute ce que les instruments d’u quatuor peuvent faire de plus précis en termes de marasme émotionnel. Les mots ressortent mieux que, selon Dupuis, chez ‘tous ces groupes utilisant de la réverb pour couvrir leur voix’. Dans l’ensemble, Sadie Dupuis se donne simplement les moyens de sa complexité pressentie dans le précédent et remarqué Major Arcana.

J’avais noté pour ce dernier :

Les paroles viennent de l'association de mots en désordre qui sonnent bien. Une confusion complaisante qui se reflète dans ce qu'elles racontent : ces relations d'université qui traînent comme sur un accord tacite, ces ex qui continuent de vous jeter des regards durs, à se raccrocher à des sentiments fugueurs, qui d'une phrase à l'autre suscite la détestation comme la complicité. Cette façon de prolonger l'âge des premières frustrations est la meilleure façon de ne pas le remplacer par une vie d'adulte moins ambigüe.

*dans le roman de Nathaniel Rich "Paris sur l'avenir" (27 août 2015).

THE WHITE BIRCH - The Weight of Spring (2015)

Lyrique, intimiste, romantique
slowcore, folk

Un an d’écoute de disques, c’est solitaire. Certaines chansons éclairent cette solitude, pas pour nous faire sentir moins seuls, mais pour nous plonger plus loin au cœur de l’engagement qu’on a pris de continuer. Pas seulement par plaisir, se dit t-on, mais parce ue, comment s’évaderait t-on autrement ? Les barrières sont de tous les côtés, alors quand il s’agit d’en sauter une pour accéder directement à l’émotion, on ne se fait pas prier. C’est le cas avec le groupe de slowcore norvégien The White Birch, et leur chanson – la mélopée Solid Dirt - est l’un de ces moments où, arrivé à une étape de l’année, en plein isolement, on se sent éclairé de l’intérieur par un certain romantisme. 

La lenteur ne semble pas, au premier abord, la façon idéale de se donner du cœur à l’ouvrage. Mais la matière musicale la plus profonde fait fi du minimalisme ou de la lenteur. De surcroît, The White Birch sonne comme un projet/groupe vieux. Au sens de vénérable. Débuté en 1995, ils n’y avait pas eu d’album depuis 2005. C’est que Ola Flottum compose, sans surprise, des musiques de film. 

The Weight of Spring est cinématique dans le sens où il amène une intrigue, comme Supper, le disque de Bill Callahan . Ici, pas une mais trois chanteuses, dont l’apparition inoubliable, à la mi-temps d’une chanson titre de 6 minutes, de Ingrid Olava. Cela vient après Winter Bride, le moment le plus soporifique de cette œuvre. Dès lors, pour, pour ne pas lasser, l’album enchaîne les duos et les moments d’une grâce inespérée (The Hours, Lantern…). Au-delà du piano, le violoncelle est l’instrument de prédilection de Ola Flottum, qui sait ainsi laisser dériver son œuvre à la mélancolie autonome plutôt qu’écrasante.

samedi 22 août 2015

La semaine psychédélique (1) - CHILDREN - Great River (2015)

vintage, attachant
Indie rock, Psychédélique

Et encore un groupe psyché de derrière les fagots. Personne ne les a vus venir non plus, ceux là, mais c'est un peu l'idée avec les groupes psychédéliques. C'est leur deuxième album. Ils ont été élus groupe du mois par un zine local, là bas, à Los Angeles.  
Ils laissent une tache mauve dans un coin de votre tête, mais encore faut t-il y consacrer un brin d'attention et de temps. C'est à dire faire ce que vous avez à faire pendant que le disque tourne, en entier, sur sa platine (c'est toujours la méthode conseillée pour avoir un meilleur son... Non ! Attentez ! Leur label Californien, Future Force, sort encore des cassettes !). A mettre bien fort pour s'imprégner de la tache en question. Ensuite, le principe, c'est que vous vous fassiez votre propre impression. Je vois des paysages défiler, des arbres, des marécages (car enregistré au Mississippi), beaucoup de soleil, de l'indolence et la nostalgie d'un Hotel de synthèse qui a beaucoup inspiré les Eagles. Parfois, ils nous rappellent juste l'élégance cosmique vintage de The Walkmen, ou de Real Estate. Les harmonies et les sons (analogiques ?) sont splendides partout, par exemple sur Incantation, à écouter en priorité. Le travail candide d'un groupe détendu et ouvert à l'inconnu. 

Allez, rdv là http://childrentheband.bandcamp.com/album/great-river pour écouter Doowaddado. 

La semaine psychédélique (2) - WALKING SHAPES - Taka Come Home (2014)

ludique, entraînant, frais
Rock alternatif

De l'introspection extravertie, cette façon de négocier avec les êtres d'un autre monde pour mieux faire face aux impitoyables êtres humains. Walking Shapes se construit un impressionnant rayon d'hymnes punk rock discoïdes psychédéliques et pop. Ils sont armés pour lutter crâneusement contre les têtes d'affiches japonaises, contre Yoshimi et ses robots roses avec une joie débraillée et très cool. Font penser aux Flaming Lips, donc, en plus léger quand même. L'esthétique du clip de Feel Good est piquée aux visions ludiques de Wayne Coyne, déjà. Plein de tubes en puissance sur cet album, de d'échos rebondissants, de couplets sinusoïdaux, de refrains libérateurs et d'énergie élastique. Puis basculent sans prévenir dans l'élégance d'une ballade folk avec Find Me. Dans leur attitude exploratrice, font honneur à leur pays comme rarement ! Un album peu remarqué mais si bien amené et construit qu'il ne peut pas laisser indifférent. 

Réédité avec des titres bonus en 2015.

SORORITY NOISE - Joy, Departed (2015)

Doux-amer, intense

Dans les listes de ceux qui avaient aimé le disque d'Adventures, sur le site Rate Your Music, figurait parfois l'album de ce groupe.  

C'est pour l'émotion et l'efficacité des refrains qu'on se replongera dans ce disque. Sans jamais vraiment basculer dans le chant hurlé ils conservent tout au long de ces montagnes russes une intensité à vif. La voix de Cameron Boucher n'a rien de particulier, sinon ce ton nasal propre à évoquer la frustration et le dédain émotionnel au sortir de l'adolescence (voir Conor Oberst). Il faut du courage pour faire partie de cette scène émo un peu tête à claques et affirmer sans ciller que finalement, c'est mieux d'être seul que de se faire du mal à deux. On pense à Bright Eyes, même si la musique fluide et fuyante ensevelit les paroles avec une attitude plus roublarde. Bien qu'intenses et amères, ses paroles s'arrêtent toujours avant de mettre l'auditeur mal à l'aise. 

Sur Art School Wanabee, au milieu de l'album, le refrain le plus à même de saisir cette capacité à ne jamais aller jusqu'au bout, peut être à tomber à court d'arguments trop précocement pour basculer dans l'amertume infinie. "Peut-être ai-je seulement peur d'admettre que je ne suis pas aussi noir que je le pense/Peut être ne suis-je pas la personne que je n'ai jamais voulu être". Cette façon de tourner autour du pot donne à Sorority Noise leur côté le plus authentique. 

Ils semblent emprunter des chœurs à TV On The Radio sur Mononokay. Using est une agréable descente dans le pathos. WhenI See You confirme leur parfaite maîtrise non seulement des refrains, mais des ambiances héroïques, qui, enfin, se prolongent au-delà du dénouement attendu.

mercredi 5 août 2015

TITUS ANDRONICUS - The Most Lamentable Tragedy (2015)

Lire aussi l'article sur le groupe. 


extravagant, audacieux
Punk, rock alternatif

En s'attaquant enfin à la grande pièce qui donne son nom au groupe, The Most Lamentable Romaine Tragedy of Titus Andronicus, le groupe réalise un vœu cher à son chanteur. L'histoire de ce Titus, Titus jouet du destin, frère de Marcus et arriviste qui va être promis à une destinée qu'il n'avait pas voulue en rentrant d'une campagne militaire de 10 ans, est une évocation terrible pour le groupe, qui fête peu ou prou ses dix ans d'existence et annonce ainsi peut-être que cet album sera sa dernière bataille. Les thèmes du théâtre de Shakespeare, la violence et la folie (on pense à Hamlet) sont sur mesure pour le groupe. Cet album ambitieux est comme un grand roman désespéré, plein de flashs hallucinatoires, de scènes de désespoir répétées encore et encore, pendant deux fois 45 minutes, jusqu'à l’écœurement. Deux parties qui se reflètent comme dans un miroir, avec deux pièces de neuf minutes, orchestrées comme il faut (avec du saxophone!), tout en restant féroces et cohérentes, au centre de l’œuvre. No Future, un motif récurrent depuis les débuts du groupe, comporte encore deux occurrences disjointes sur cet album, placées symétriquement en deuxième et en avant dernière position. Une touche d'épouvante à la The Cure sur No Future Part V : In Endless dreaming. 'Un rêve sans fin', ce qui se rapporte sans mal à cette œuvre, cette boucle énigmatique et angoissante, recommençant quand elle se termine et terminant comme elle a commencé.

Le dénouement de The Most Lamentable Tragedy se profile avec l'écœurant Stable Boy, chanson agonisante et pénétrante, ou le chant de Stickles perd tout reste de dignité et de compassion pour lui-même et ceux qui l'écoutent. Il pousse le groupe à l'humiliation, après avoir repris sans remords et sans honte ce que certains considèrent comme le summum du songwriter intime avec Elliott Smith, Daniel Johnston.

Dans un cynisme punk logique, ils vont jusqu'à baptiser une pièce de cette œuvre compulsive et délayée Into the Void (Filler). « Remplissage ». 4 minutes trente de bile. C'est à ce point, à peu près, Les échos à d'énormes pans du classic rock, de hard rock ou piano rock excitent ceux qui cherchent de l'authenticité, et c'est mon cas. Thin Lizzy, comme sur le précédent Total Business, est une influence évidente. D'autant plus qu'au niveau des mélodies, Titus Andronicus a un je ne sais quoi irlandais (on trouve là sans surprise une reprise des Pogues). Lonely Boy m'a fait son effet. Fired Up, Fatal Flaw et Come On Siobhan sont des étapes pleines d'entrain bienvenues dans cette lente perte d'esprit, tandis qu'il est gagné par une forme d'extase et d'abandon rarement atteints.

Patrick Stickles, avec tous les excès de son chant, parfois toujours mais souvent débraillé, et de ses textes, incarne ce fil conducteur de la perte de santé mentale face aux pressions d'une société, qu'elle soit guerrière ou consumériste. Les deux pièces les plus longues sont là pour attester de l'endurance et de la profondeur psychique où son enracinés les sentiments injurieux du chanteur. Titus Andronicus ont remis un jour les forces narratives au centre du plaisir de jouer de la musique. Mais avec The Lamentable Tragedy..., ils les ont congédiées, érodées face à ce leitmotiv qui broie tout, celui de ne plus pouvoir faire face à l'absurdité, l'obscénité, la démence de prendre ses ennemis profonds pour des amis potentiels. « Le capitalisme et le meilleur système qui soit, déclare Stickles, libertarien profond. Comme John Brown, c'est sûr qu'une fois l'argent en poche, il le dilapidera naïvement pour voir ses visions se concrétiser.


Au premier plan, Patrick Stickles dans une dérive capillaire (inspirée de John Brown ?)

Un préquel à l'article sur Titus Andronicus publié en 2010 dans Trip Tips 9 (groupe de l'année 2010). 

En 2015, ils ont enregistré encore deux fois plus de musique qu'au temps de leur double album... 

Patrick Stickles, le chanteur de Titus Andronicus, l'a dit, il arrêtera le groupe quand cela perdra son sens, car prendre de l'âge est déprimant. Mais s'il y a une chose qui permet à son groupe de s'installer dans l'excellence pour devenir l'un des meilleurs de son temps, c'est celle ci : Stickles a eu, au fil du temps, de plus en plus conscience que la plupart des autres compositeurs et musiciens rock ne faisaient pas ce qu'ils devaient, car il avaient perdu foi dans le pouvoir de cette musique. « C'est très dur de se sentir aussi investi dans un groupe maintenant, par rapport à quand j'avais 16 ans – quand un bon groupe de rock n'roll était la chose la plus importante de l'univers », raconte t-il en 2012. Fut une époque où la science et l'individu œuvraient dans un élan émotionnel commun qui produisait des rassemblements et des convictions.
En tant que chanteur, il est forcément le membre alpha, l'être humain générique au cœur des études politiques et existentielles du groupe. L'article aurait pu portait son nom, quelque chose paradoxal du genre : l'extraordinaire et pitoyable parcours de Patrick Stickles.
Il y avait une période où Stickles ne savait pas clairement ce qu'il faisait. On pourrait le rapprocher de Karl Marx au moment de ses premiers écrits : il n'avait pas idée qu'il fondait une théorie marxiste, ne se posait pas encore la question de savoir si ce serait une idéologie ou si le fait que ses idées émanent d'un être humain, qui était lui même, le rendent indépendant de toute influence venue de la société. En d'autres termes, il ne s'était pas posé la question de savoir pourquoi il tentait comprendre le fonctionnement de la société, et quels problèmes il souhaitait résoudre. Il devait se douter que sa propre pratique lui était inspirée par un système qui l'influençait déjà alors qu'il tentait de le combattre. Comme les philosophes, et les sages de manière générale, le mouvement de Stickles vient de l'intérieur.

Tous les arts sont impliqués chez Titus Andronicus, le groupe punk rock de la banlieue de New York : avant le théâtre déjà, avec Shakespeare, il y a eu la dramaturgie picturale de Brueghel. Le peintre connu pur les Proverbes Flamands et pour avoir illustré une société à peine sortie du moyen-âge, les travers de ces hommes, notamment la vanité et l'inconséquence. Titus Andronicus a décrypté un autre tableau à sa façon : la Chute d'Icare (1558), le prétentieux qui a voulu selon certains 'élargir les frontières du savoir' et n'a donc tenté de se rebeller contre des lois immuables en s'envolant vers le soleil.
Deux minuscules jambes dépassant de l'eau juste à côté de là ou paissent un troupeau de moutons et leurs bergers qui continuent comme si de rien n'était. Ils ont compris eux, que tout le sens de la vie c'était de ne pas chercher à braver le ciel par vanité mais accomplir la tâche qui nous est attribuée. C'est le communisme avant l'heure, celui que même Marx n'a vu que balbutiant. C'est l'un des motif qui poursuivent le chanteur de Titus Andronicus sur la route : alors qu'ils s'apprêtaient à jouer un concert, dans la rue ils assistèrent à un accident, un homme se faisant renverser par une voiture. Il y eut la sensation de devoir, malgré le fait d'avoir été les témoins de ce drame, jouer le concert comme si de rien n'était, chaque chose étant par force, le fruit d'une construction et bien à sa place.
« C'est horrible, vais vous ne pouvez rien faire d'autre que de continuer votre existence, même si elle peut paraître insignifiante après ça. » Après deux albums plus fantastiques et conceptuels, The Airing of Grievances (2008) et The Monitor (2010) l'idée était de revenir avec le troisième, en 2012, à des histoires tirées de la vie réelle. 

On peut supposer que les motivations individuelles sont encore plus fortes et viscérales dans un groupe de punk rock. Et dans le cas de Stickles, ces motivations sont dérivées en partie d'une nostalgie pour un temps où les arts avaient un rôle crucial, et ou chaque détail d'un tel tableau comptait -comme chaque détail dans le son d'un groupe.
En présentant Total Business (2012), il aura ces mots : « Je voulais faire de ce disque plus l'album d'un groupe, plutôt que celui d'un grand collectif. Je voulais le faire sonner plutôt comme les classiques que nous avons adoré au fils des années, quand les groupes étaient juste.. des groupes. »
Par là veut t-il sans doute dire, quand les groupes se dédiaient à leur musique plutôt que de dépenser une énergie stupide en marketing. C'est leur bravoure et leur simplicité qui donnait de la visibilité à ces groupes. Si l'honnêteté est le prérequis de l'artiste, la liberté n'est pas si facile à acquérir. Stickles renverse les causes et les conséquences, et non seulement le fait t-il en tournant les observations à propos de la vie réelle au profit de paraboles empruntées à de grands artistes nés dans d'autres temps. Il le fait en prenant l’Amérique à bras-le corps. « Le capitalisme est sans doute le meilleur système et celui qui suscite le plus de liberté, vraiment. C'est la façon que nous avons de le faciliter qui produit des effets négatifs : certaines personnes utilisent leur liberté de façon injuste, au détriment des autres. » Ainsi la liberté est l'un des principes sur lequel fonder les relations entre les hommes, et cela vaut pour cet extraordinaire groupe de punk rock aussi.

Tout doit s'acquérir avec loyauté et honneur. L'honneur a été, pour celui qui se définit d'abord comme un plouc du New Jersey, un sens difficile à acquérir, mais sans doute en soi un but de l'existence. IL y a toujours dans les propos de Stickles et ses paroles si quantitatives/qualitatives ce regard à l'intérieur, sur le groupe et chaque composante, chaque conscience, avant de le tourner vers la société.
« Local Business raconte la pouvoir individuel pour résister aux exigences de la société à se conformer et à consommer, l'urgence de trouver une relation à votre propre mortalité, déterminer vos valeurs, et ne pas être forcé dans une construction sociale. » Se sacrifier pour des valeurs a t-il un sens ? En évoquant un 'relation à sa mortalité' et le sens de la vie, Stikles pourrait nous parler de la folie de Daesh. Il part du principe que la société n'a pas de sens, et que chacun a le pouvoir de donner un sens à son existence, de lui attribuer une valeur. Encore faut t-il avoir l'esprit suffisamment clair pour définir ce qui a de la valeur, en notre for intérieur. Il faut avoir conscience de sa propre fragilité et de sa solitude. Peut-être même être qu'être capable de dérision est une condition indispensable dans cette construction sociale qui anime très souvent le chanteur américain. Fait t-il partie de la contre-culture ? Qu'est-ce que ça apporte aux autres, d'être soi-même ? Qu'est ce que ça signifie d'être punk ?
« Ma psychanalyste est une dealeuse de médicaments, comme tous les autres [médecins], mais elle est amusante. Elle n'est pas punk, mais son crane est rasé. Elle sait que je suis dans un groupe. Parfois elle essaie de me dire que peut-être que si je suis déprimé, c'est du au fait que je deviens trop vieux pour être un punk, mais j'essaie de ne pas croire à ça. Vous n'êtes jamais trop vieux pour être un punk. En fait, les plus vieux punks sont les plus authentiques, car être un punk quand vous êtes jeune est tellement plus facile.»
« Les chansons sur cet album évoquent le conflit ui existe pour devenir un individu autonome, et la solitude qui en découle. Et aussi, de savoir que vous êtes autonomie, mais en même temps, une partie de quelque chose de beaucoup plus grand. » Local Business est ce regard à la fois sensible et critique d'êtres humains sur l'endroit où ils sont nés, où ils ont vécu et où ils ont essuyé les frustrations. 

Titus Andronicus étaient devenus une petite sensation nationale suite au succès de The Monitor, leur chef d’œuvre à l'ampleur romantique et au désespoir héroïquement surjoué. Ce troisième album, Total Business, était enregistré en réaction aux perspectives de devoir servir de chair à programmation dans les festivals pour le restant de leurs jours. Et même pas en tête d'affiche malheureusement. S'il avaient parfois tendance à passer pour des survivants (de la guerre de sécession) sur The Monitor), ils auront gagné le droit de douter de tout, et sans sombrer dans l'alcoolisme, de devenir ce groupe qui a tenu bon et a produit, en lieu et forme d'un doigt d'honneur définitif à l'industrie du spectacle, le monumental The Most Lamentable Tragedy en cette année 2015. On pouvait dire auparavant, attention, Titus Andronicus n'est pas Stickles, le personnage dans ces chansons est un pantin égaré au cœur des paradoxes globaux, dans les élans nationalistes, dans la dépravation régionale, dans les guerres intestines, l’aliénation de son propre sang au moment où il doit avouer à sa mère qu'il n'est plus vraiment le même que le petit garçon qu'elle a connu.
Mais de cette époque dépeinte comme dans des romans, seules restent dans Local Business les réminiscences qui manipulent et le broient, et leurs intentions sont d'autant plus claires et prophétiques qu'elle visent désormais Patrick Stickles et son groupe plutôt que les personnages de ses paraboles. Le doute s'est installé, Stickles emportant le groupe avec lui dans une spirale géniale qui rappelle l'intensité de Trent Reznor, qualifié de génie au temps de ses premiers albums, et redevenu un homme plutôt banal depuis. Stickles se sent déjà trop vieux pour continuer, car cette musique qu'ils joue, dit t-il, est l'apanage des jeunes qu'il observe autour de lui. Mais sait t-il qu'arrêter Titus Andronicus, c'est sombrer dans la banalité de l'existence ? Il a gardé ce leitmotiv assez longtemps pour plus que doubler la quantité de musique enregistrée par son groupe depuis le coup d'éclat du double album de 2010.

mardi 4 août 2015

SELECTION - Juillet 2015

ADVENTURES - Supersonic Home (2015)


intense, poignant
Indie rock, shoegaze

C’est le premier album de ces jeunes gens issus du groupe plus brutal Code Orange, et une façon pour eux de montrer leur côté chaleureux et doux, imaginez, on entendrait presque les anglais shoegaze des nineties Slowdive lorsque les voix de Reba Meyers et Kimi Hanauer se succèdent avec une empathie mutuelle dans Absolution : Worth Requited. Cette chanson centrale ouvre la partie de l’album la plus obsédante, avec Walk You To Bed, Tension et Long Hair . Comme le groupe anglais, ils ont un son à la fois intense et intime, intérieur. Ils ont d’énormes riffs d’intro et maintiennent la dramaturgie de ces amorces avec une suavité juvénile en diable. Les Smashing Pumpkins viennent aussi à l'esprit. Pourquoi leur formule est t-elle si efficace, sans rien inventer vraiment ? Parce qu'ils trouvent une cadence ne nous laissant pas le temps de buter, jouent d'une une souplesse et d'une précision redoutables, à ce point de leur carrière, une douceur hâtive qui emballe gentiment ces 30 minutes de musique.

Quelques circonvolutions rapides autour de refrains émotionnels et la chanson se termine, presque invariablement sous la barre des trois minutes. Démarrant toujours subitement, le contenu lyrique nous appelle à participer, laissant subtilement entrevoir un désordre mental, montrant un détachement apparent pour mieux nous laisser approcher et nous révéler tout l’enchantement fragile et nostalgique au fond. Il y a une jeunesse et une extase réparatrice là dedans, comme un ralentissement intangible au cœur de l’accélération.

lundi 3 août 2015

IDLEWILD - Everything Ever Written (2015)

élégant, ludique
Rock alternatif

Michael Stipe (R.E.M.) a eu l’image d’un prêcheur d’un nouveau genre, préférant les jeux de mots, et juste la façon dont les mots sonnent et s’enchaînent plutôt que de délivrer un sermon issu de concepts trop profonds. Pareil pour Roddy Woomble, l’écossais qui chante depuis 1995 chez Idlewild - septième disque avec celui-ci. 1995, quand R.E.M, devenait plus rock. 

Idlewild sonne plutôt américain qu’anglais, on dirait. Un croisement de R.E.M. avec les Foo Fighters. Les riffs se sont assagis par rapport aux rodomontades punk des débuts, et les structures sont devenues telles que l’album est assez difficile à écouter d’une traite. Mais les refrains et certains couplets ont un pouvoir entêtant, il n’y a rien que vous puissiez faire pour vous débarrasser de Nothing i Can Do About It une fois que vous l’avez écoutée. C’est un peu old school si c’est vrai, mais Collect Yourself, la première chanson, est peut-être la meilleure de l’album – elle a un côté dansant, dans ces couplets coincés entre des nappes de guitare saturée, idéales pour une intro spectaculaire. Like a Clown promet dans son titre déjà un grand moment apitoiement, le reflet pop ironique d’un groupe ramolli d’écouter Everybody Hurts au point de jouer acoustique. Ce n’est pas pour la pop de Radium Girl qu’on se souviendra de cet album, mais plutôt pour la folie entretenue dans les parties instrumentales abrasives et épiques, incorporant parfois des cuivres et laissant une forte impression dans un album qui se construit et se déconstruit simultanément. 

C’est possible grâce au talent de Woomble pour ressortir de ces improbables chansons triomphant, aillant arrachés à mains nues quelques phrases bien senties. Utopia arrête le défilement des images fabriquées et dispensées à l’emporte-pièce, c’est une ballade parfaite, qui pourrait vendre un film si elle était chantée par une chanteuse à la mode. Woomble y sonne presque comme Bernard Sumner essayant de rendre hommage à Ian Curtis dans un hypothétique biopic déchirant.
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...