VILLAGERS - Interview de Conor O'Brien le 22 février 2013

 

Ci dessus : le Village Underground, à Londres.

Un article sur l'album est à suivre.

Sur un coin de table à la Maroquinerie, un Conor O’Brien endormi fait le debriefing de sa soirée de la veille, à Londres : « C’était le meilleur concert de ma vie. » Et commente à froid les paroles du deuxième album passionné de Villagers.

J’aime la façon dont tu écris. Tu dis que les chansons ne sont jamais meilleures que lorsqu’elles viennent complètement formées, mais tu utilises des mots qui sortent de l’ordinaire.

Co'B : J’avais l’impression de procéder à l’envers. Le truc c’était plutôt d’écrire ce qui me passait par la tête, et ensuite de nettoyer cette prose qui en résultait. C’est un travail laborieux. Mais j’aime beaucoup ce processus qui consiste à titiller un texte.

Récemment, l’un de mes albums favoris a été Sugaring Season, de l’anglaise Beth Orton. Sa musique m’a rappelé la tradition folk anglaise, elle jetait le sort déjà lancé auparavant par Bert Jansch ou Nick Drake. Le folk traditionnel t’a-t-il inspiré ?

J’aime les deux, Bert Jansch, Nick Drake. Mais j’écoute des musiques très diverses [le choix de  l’échantillonneur utilisé sur {Awayland} sera influencé par l’écoute de Four Tet]. Radiohead… [Il réfléchit une bonne minute en essayant de sortir des noms, mais finit simplement par s’excuser de sa fatigue]. Et je pense que cela apparaît sur l’album, qui est en quelque sorte un amalgame. Je ne sens pas que je fais partie d’une tradition ou d’une autre. Je copie beaucoup de gens, je vole beaucoup. Finalement, plus vous multipliez les sources et plus ce sera votre propre œuvre. 

J’ai passé plusieurs mois à Londres, et j’essayais d’écrire des chansons. J’avais acheté le livre qui réunissait toute les chansons de Bob Dylan et j’essayais de m’inspirer de ça. T’es-tu déjà exercé pour écrire des chansons ?

Quand j’écris j’ai un livre avec de paroles de Bob Dylan au coin de mon bureau aussi ! Ses chansons depuis 1964 jusqu’en 2000. J’y trouve certainement une inspiration, car son lyrisme est très inspirant.

Il ne parle pas tant de lui-même qu’il crée des personnages…

Je pense que lorsque vous créez des personnages dans des chansons vous leur insufflez  inévitablement des aspects de votre propre personnalité, mais en utilisant une mise en scène pour en transformer les sentiments et les émotions. 

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La musique de Villagers semble beaucoup liée à des sensations, à une atmosphère. Tu savais ce que tu voulais avec le premier album mais étendre le son avec le groupe te permet de porter l’auditeur à un autre niveau.

Je pense que c’est la seule façon de justifier l’écriture d’un nouvel album, si tu n’as pas une nouvelle donne, différente de ce que tu as fait auparavant, cela n’a pas de sens de ressortir un autre disque. Je me suis procuré un synthétiseur, je n’en avais jamais possédé avant. C’était comme un nouveau jouet, et j’ai passé beaucoup de temps entre l’échantillonneur et le synthétiseur, commençant à produire des… sentiments, des textures, pour jouer avec les chansons, leur donner une approche différente. Tout n’était pas écrit d’avance cette fois-ci. Pour Becoming a Jackal, j’avais la plupart des paroles, les thèmes et tout le reste, et avant même d’écrire l’album, j’avais déjà le titre, j’avais l’idée de l’artwork avant d’avoir terminé la moitié des chansons. C’était plus académique, plus l’histoire d’assortir des chansons à un thème déjà existant, tandis que cette fois je n’avais rien d’autre que des sentiments que je voulais mettre en scène.

Comment as-tu formé les chansons ? Les arrangements sont très importants, comment avez-vous travaillé dessus avec le groupe ? Avez-vous procédé chansons par chanson ?

J’ai  enregistré toutes les démos, sur lesquelles j’ai joué tous les instruments. Certaines [Passing a Message, Judgement Call] ont beaucoup changé par la suite, d’autres [The Waves] non. Les démos m’ont pris presque un an ; nous avons ensuite joué les chansons ensemble, et les choses ont pris un nouveau tour. Ca n’a pas drastiquement changé musicalement, mais les sentiments, les grooves, la façon dont les chansons sont jouées ont un rendu beaucoup plus efficace en groupe. Nous nous sommes occupés des arrangements avec Cormac [Curran, le claviériste responsable en grande partie des arrangements de l’album]. C’était une grosse partie de l’album, qui contient beaucoup d’orchestrations. C’est une expérience plus collaborative qu’avant.

Je trouve particulièrement soignée la façon dont les morceaux commencent, et se terminent. The Bell, par exemple, est très impressionnante au début, avec le piano qui résonne, les cuivres, l’orgue…The Waves se distingue par son explosion sonore finale…

Oui, pour The Bell nous voulions une grosse instrumentation… Pour The Waves, je voulais parvenir à ce point culminant de violence, à cause du sujet de la chanson, la menace de vagues géantes. Cette chanson est née dans l’œil d’une tempête. J’ai vu les images du tsunami japonais à la télévision, et elles sont restées dans ma tête plusieurs semaines alors que j’écrivais la chanson. J’avais besoin que la musique évoque le pouvoir implacable de la nature.

Et cette façon de hurler comme un loup dans Pieces, sur Becoming a Jackal…

Ca m’a semblé cathartique, la musique n’est qu’un moyen d’exprimer des choses…

Comment se passent les concerts avec les nouveaux morceaux ?

C’est très excitant. Nous sommes meilleurs en tant que groupe…La nuit dernière [le 21 février 2013], c’était le meilleur concert de ma vie. La salle s’appelle le Village Underground, à Londres. Très belle salle, avec de hauts plafonds. Autrement, les nouvelles chansons sont plus expansives, nous jouons beaucoup plus de nos instruments. Il y avait beaucoup de moments dans les anciennes chansons où le groupe attendait pendant que je jouais tout seul.

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J’ai lu que les thèmes de l’album étaient liés au corps, au fait de grandir, de changer…

Oui, il y a probablement ces aspects de  bouleversements du corps, mais surtout cette confrontation avec le paysage et la façon dont l’individu gère son rapport à la société et s’adapte aux contradictions. Il est souvent question de tenter de garder la vue la plus large possible. Beaucoup de mes personnages sont amers ou bigots, comme c’est le cas lorsque les gens vieillissent. Une grande partie de l’album consiste à se défendre de la pensée raciste, sexiste, homophobe, parce qu’on finit tôt ou tard par rencontrer ce genre de personnes.

T’inspires –tu de l’Histoire ?

Le tsunami a été le gros évènement au moment où j’écrivais ces chansons. Dans Earthly Pleasures, il y a cette figure d’ancienne divinité. Mais c’est un voyage intérieur : l’action se déroule dans la pièce que décrit la première ligne : “Naked on the toilet and with a toothbrush in his mouth”. Tout le reste se passe dans la tête du personnage alors qu’il perd l’esprit, et il est affamé et frustré, il voyage dans le temps et se confronte à cette divinité, ce qui lui donne une épiphanie quant à sa place dans le monde, et le fait qu’il ne devrait pas placer ses espoirs dans autre chose que dans ses similarités avec les autres créatures de la terre. C’est un genre d’histoire humaniste.

As-tu pensé à des lieux en particulier ?

Des chansons sont inspirées de parties du Canada, mais surtout par des régions que nous survolions en tournée, comme Singapour ou l’océan indien.

Il est souvent question de sens dans tes chansons, d’un rituel auxquel manquerait un sens, d’un message qui ne signifie rien pour toi…

Le message dans Passing a Message, c’est en quelque sorte l’ADN. La chanson évoque une femme qui travaille dans un nighclub du Burj Khalifa à Dubaï, le plus haut gratte-ciel du monde, et elle n’est pas heureuse, elle commence à rêver à l’évolution des espèces et à son propre sort, tentant d’élargir son esprit pour échapper à ce boulot horrible. Au début elle est dans le nighclub, et elle regarde du base-ball à la télévision, quelque chose qui ne signifie plus rien pour elle tandis que les images d’un poisson spatule et d’une salamandre lui viennent en tête, des animaux qui n’ont presque pas évolué depuis des millénaires, et elle se dit qu’elle ne vaut pas mieux qu’eux. La démo de cette chanson devait faire dix minutes… Et on avait commencé par y utiliser l’échantillon d’un discours de Nixon ou moment du Watergate, mais on s’en est débarrassés avant d’avancer sur l’album.

Dans The Bell, il y a un ‘chien endormi’. Et dans Rythm Composer, un ‘chien ancien’. On croirait à des créatures mystiques qui marchent entre la réalité et un monde de rêves.

Dans Rythm Composer, le chien représente l’abysse, le point ou tout se perd. L’image du ‘chien noir’ est vraiment ancienne. Winston Churchill l’avait utilisée. ‘Le chien noir dans ton dos’, cela signifie la dépression. Le ‘chien endormi dans le dialogue’ se réfère plutôt aux choses qu’on ne peut exprimer. C’est une métaphore.

SANS PARADE - Sans Parade (2013)

OOO

orchestral/pénétrant

indie rock/atmosphérique

Extrait provisoire d'une nouvelle en cours d'écriture. Le co-fondateur d'un 'nouvel ordre' touchant certaines grandes villes européennes écrit une lettre pour raconter l'influence de Sans Parade sur sa vision. J'ai découvert le groupe juste à temps pour ce passage qui se situe au début de la nouvelle.

« Si la Société était un groupe de musique, se serait Sans Parade. Ambitieux mais modestes, dévoués à leur progression future. Le rencontre de Jani Lehto et de Markus Perttula est survenue si naturellement... Ca me rappelle comment j'ai rencontré Klos. Jani recherchait un chanteur pour son nouveau projet, dans lequel il voulait mêler la délicatesse de la pop orchestrale avec le rock indépendant, plus affirmé, plus extraverti. Il s'est trouvé que Markus avait une belle voix, de très bonnes chansons et déjà le nom du groupe... Sans Parade. Leur nom signifie soudainement, sans avertissements, ce qui est un peu, je crois, la façon dont s'est installée la Société dans les villes où elle s'est le mieux ancrée.

 

Sans Parade s'est formé subitement, mais leur album a été une longue construction, qui continue encore en chacun de ceux qui l'écoutent. Les textes sont basés sur des histoires vraies, des témoignages, c'est donc une construction à partir de l'expérience empirique qu'on ces jeunes personnes de la société, et non une fabrication. Ils ont eu l'intelligence de faire appel à divers talents, comptant jusqu’à huit musiciens. Bien sûr, ils utilisent leur musicalité pour exprimer les sentiments intérieurs, et le sens qui se cache derrière ce qui semble romantique mais qui est existentiel et fonctionnel. Ils sont un exemple pour la Société en ce qu'ils partagent ces sentiments non seulement à travers leur musique, mais parce qu'ils ont détaillé longuement le processus de création de leur premier album dans un journal sur Internet. Ce que nous voulons c'est que les implications de l'art soient presque abusivement commentées, et que le sentiment vrai de ces commentaires élève les gens vers une meilleure perception de leur environnement social.

 

Ils se sont battus quant à la direction à prendre, mais finalement, c'était toujours dans l'intérêt commun, comme le résultat l'atteste. C'est Pekka Tuppurainen, un brillant musicien jazz de Stockholm, qui les a poussés à devenir vraiment une force unique, leur permettant de trouver l’équilibre idéal entre la fragilité, la surprise constante, tout en restant accessibles à tous. Finalement, le message du groupe est parfaitement clair et prêt à traverser le temps, et à rencontrer son public au delà des frontières de la Finlande, comme l'ont fait Arcade Fire au-delà des frontières du Canada. Et Arcade Fire aurait pu, aussi bien, inspirer le lancement d'un nouvel ordre social dans la jeunesse nord-américaine.

 

Il y a cette chanson, A Ballet At The Sea, qui est une communion avec la mer. C'est un récit touchant. Et la musique est si pure, atmosphérique, c'est ainsi que je définis notre art, prêt à offrir son flanc à l'interprétation. Cette chanson me rappelle aussi que le commerce de la mer, et les ressources que l'on tire des fonds marins de la Mer du Nord sont au centre de notre éthique d'indépendance alimentaire et d'indépendance énergétique. Je dis seulement éthique, car nous laissons les gouvernements entièrement maîtres de leurs décisions à ce sujet.

 

Sans Parade, c'est une voix claire qui s'élève à travers les eaux et à l'intérieur du continent. Nos pays scandinaves ne seraient rien sans es vôtres, même si vous avez longtemps cru que notre modèle pouvait s'entretenir de lui-même, que nous étions complètement indépendants, et vivions dans le meilleur des mondes. Nous ressentons pourtant une tristesse et une mélancolie, nous aussi, face à l'état du monde, nous nous sentons concernés par la situation de l'Europe et par celle de Moyen-Orient. La performance intuitive De Markus Perttula, sa façon de prononcer les mots fait de sa voix un instrument dont la beauté est propre à être décodée et à être vécue. La clarté, la cohérence et l'ampleur de leur vision musicale transcende les genres. Quand je suis arrivé à la chanson From Leytonstone to Canary Wharf, je me suis dit que c'était le plus bel album que j'avais jamais écouté.

 

Quant à la langue anglaise, je ne vais pas renier ma propre culture, surtout pas en conclusion de cet élan d'espoir et d'amour pour tous mes concitoyens. Je dis simplement que les barrières qui existent encore entre les langages ont besoin d'une passerelle aussi forte que le Millénium Bridge, qui est l'un de mes ouvrages préférés de tous les temps et qui se trouve à Londres, une ville que j'ai beaucoup visitée. La langue anglaise est au service de la Société mais nous ne sommes au service que de notre propre désir de culture, et c'est nos origines qui dictent ce désir. Ce n'est pas un hasard si j'ai choisi de parler d'un groupe Finlandais pour illustrer mes propos. »